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早就是“屏保”和“蘑菇替代物”了,郭锐文不介意成为“网红款”

Luya   郭锐文提供  编辑 Miki

 

The hex是利用计算机算法制作而成的影像装置作品,它将音乐和视觉影像完美结合,其中线条矩形结构配合场景光影在画面中不断被分解与重组,视频里明暗交织浮动出现,就算只有简单的黑白两个颜色却可以在短短的几分钟让人对画面产生无限联想。这部视频是出自中国新兴视觉艺术家郭锐文(Raven Kwok) 与加拿大电音厂牌 Monstercat 旗下Karma Fields在2014年合作的系列MV中的一部影像作品。他运用Processing程序代码生成,生成的图像配合音乐的波动相对形成视觉与听觉的流线表达,这些作品拥有强烈的视觉吸引力,时常被媒体形容为迷幻,不可描述,独特,神秘的感官交互体验。

自2014年于伦斯勒理工学院的电子艺术专业毕业以来,他独特的创作风格让他一举成为了当代炙手可热的新兴艺术家,其作品向观众展示了独特的算法美学与全新的艺术发展可能性。

 

郭锐文的“工作照”

 

WKLY: 如果要用一个词概括您的作品,这个词会是什么呢?

Raven Kwok: 算法。

WKLY: 图像来自视觉,音乐来自听觉。视觉与听觉作为人类的两个主要感官功能是我们认知的来源。通过您作品中的声音与图像,您希望向观众传递出怎样的观念呢?

Raven Kwok: 我本身更加重视作品的感官体验,而不是直接灌输给观众一个特定的观点或是概念。另一方面,由于作品的创作过程也是我自己通过定制,组合不同程序算法探索视觉效果,空间结构,自组织系统(Self-organization)的实验过程,所以如果可以因此激发观众对跨学科领域的兴趣与关注,获得一个附加分的话,我会非常高兴的。

WKLY: 今年年初在上海举办的 James Turrell 大型灯光展牵动了大票的眼球,这种和光影,场景有关的艺术作品在中国这样的大环境中一不小心就变成了“网红款”,这个词亦正亦负也都因人而异。您会介意您自己的作品成为“网红款”吗?

Raven Kwok: “网红款”我个人觉得算是一个相对来说不错的标签了。我自己还收获过“屏保”,“软件特效”,“蘑菇替代物”等令人哭笑不得的标签。如果可以引起大众对这个领域关注的话,我完全不会介意自己的作品成为“网红款”,如果这意味着我自己同时也成为“网红”的话,我会很窃喜。

郭锐文为Karma Fields制作的MV在YouTube上已点击过百万

WKLY: 几年前您做了几个音乐录像带的项目,像Build the Cities,这首MV在YouTube上点击过百万。您用编码把歌词可视化,很多无机的图形,轮廓随着节奏不断的变化,推动的视觉特别精彩。 这些大量重复的图案与几何图形的存在是否是随机组成的?

Raven Kwok: 图形并不是随机的(严格意义上来说计算机不会产生真正意义上的随机,无论是PRN还是TRN它都会需要一个生成器)。它们的背后有一套我定制的算法规则,所有的Agent都会根据这套规则以及其他的Agent自发地决定对应的行为,并产生视觉图形。

WKLY: 在您看来,音乐在作品中的重要性与视觉的重要性相比会有主次区分吗?您是怎样为作品筛选音乐的?

Raven Kwok: 对于Audiovisual作品来说的话,音乐与视觉是一体、无法分割的,所以不存在主次的问题。对于我创作的其他一些非Audiovisual的生成/交互装置的话,视觉可能会占主要的一部分,声音会成为一个增强作品体验的辅助(毕竟我个人是一个视觉艺术家,而对声音艺术家来说,这个权重配比自然也会倒过来)。

WKLY: 会考虑和中国的电子音乐制作人合作吗?

Raven Kwok: 会基于合作者本人作品、工作态度、合作项目的具体情况来综合考虑,和国籍没有什么关系。和声音艺术家/音乐制作人合作的话,基本是一个互相反馈,达到一个双方都可以接受的平衡点的过程,并不是单方面的“筛选”。使用Stock Music的话,更多考虑的是搭配视觉内容的整体氛围,而不是个人的音乐喜好。

Build the Cities作品曲线设置细分

WKLY: 自己做影像作品以后会不会也有看不懂其他艺术家的影像或装置作品的时候?作为一个“圈外人”该怎么理解装置艺术作品?

Raven Kwok: 经常会有,对于普通观众或者专业领域之外的人来说,并没有什么恒定的标准。我把Skyline发布在网络上的时候,完全没有要求网友应该去了解Voronoi二维空间分割,频段振幅可视化等问题。他们会因为自己的经历、背景有自己对作品的理解与体验。当然这只是我个人的态度,偏观念方向的艺术家对此肯定会有不同的见解。

Doge Chorus作品使用Processing编程的画面

WKLY: 更早之前您还做过哪些形式的作品呢?

Raven Kwok: 使用Flash做过许多二维角色动画。

WKLY: 您是如何理解人与机器的关系?机器是否拥有自己的自主创造力?

Raven Kwok: 这其实是一个客观事实,并不是主观的理解问题。关系是:人创造了机器,机器影响人。这些影响有正面的有负面的,而决定这种影响的是人。但人永远倾向于把自己的问题撇给别的事物,所以负面影响最终由机器背了锅。

关于机器的自主创造力,也是一个客观事实:没有(至少目前来说没有)。即便以使用人工智能的机器为例,基于大量数据与分析模型构建这点来说,还是与“自主创造”的定义有着本质的区别。 

WKLY: 这样的以计算机为主体的创作方式是否具有局限性?

Raven Kwok: 我觉得工具本身都有其局限,计算机相较其他传统架上艺术创作手段,其局限已经相对小得多了,也就是有着相当大的灵活性。           

WKLY: 当观众观看您的作品时,您希望得到怎样的反馈?

Raven Kwok: 我会有对结果的大致预期,但并不是说具体希望能得到哪种反馈。每个观众都是一个独立的个体,他们体验作品的视角很大程度上取决于他们自己的个人经历以及专业背景,所以我经常可以得到很多有趣的出乎意料之外的反馈,并不仅仅是“好”或“烂”或“看不懂”,而是一些结合他们自身背景的联想,譬如另一个专业学科内的一个相似概念,或是他们读的某部小说内的一个片段等。这些反馈也反过来给了我很多其他审视自己作品的视角。

 

WKLY: 在您与Symmetry Labs合作的作品Derivations中, 观众作为参与观看的角色,他的出现却成为了作品的一部分,是开创者。作品带来的感受对于我来说是来自于对于个人与个人创造力的关注,这种沉浸式的观感体验对您的作品有什么特殊意义?

Raven Kwok: Derivations的体验其实并不算是沉浸式的,因为只有单面(地面)的影像内容。

并没有特殊意义。用计算机做创作的优势在于,可以灵活地根据空间与设备条件调整作品,譬如针对展览空间内配置不高的计算机降低图形复杂度,改小分辨率来适应有限的空间等等。在空间与设备都没有限制的情况下,就可以正向调整作品。Derivations就是类似的情况。手边有大量的BrightLogic LED板,每块底部都有镶嵌红外传感器,于是就改写了以前编写的一些生成系统,结合了对参与观众的定位,做了这个大体量的互动作品 。

WKLY: 视频与影像装置最大的区别在于观看地点的不确定,网络让视频观看可以存在于任何时间任何地点,观者可以选择在不同的空间与状态下进行观看,而影像装置作品局限了观看所需的空间,但却为观众提供了更立体的体验,您怎样看待这样的利弊,在创作中又经历过哪些取舍?

Raven Kwok: 视频与装置只是作品的不同呈现方式。如同你的问题前半段所说的,任何方式都有利弊,根据具体的情况权衡即可。拿我个人取舍经历举例的话,一些沉浸式作品,在拍摄演示纪录时我通常会整合视角追踪功能(实时地使图形内容与拍摄视角的透视吻合)来增强体验效果。但对公众展示时,考虑到多位观众同时体验作品,而同时渲染并呈现每个人的视角所造成的不同透视会相当混乱,于是这个功能往往被舍去。

Stickup是郭锐文为Karma Fields制作的一个基于代码生成歌词的作品

 

WKLY: 很好奇您平时会看哪些艺术家的作品呢?中国现当代有哪些你个人很喜欢的装置艺术家?

Raven Kwok: 专业领域的话: Robert Hodgin, Marius Watz, Joanie Lemercier, Albert Omoss, Beeple, Zach Lieberman, Mario Klingemann等等。其他还会看一些风格诡异的动画艺术家Cyriak Harris, David Firth等等。中国,现当代,又得是装置的话,蔡国强吧。不过我本身对中国当代艺术关注得并不是很多。

WKLY: 中国的当代影像装置作品对比起西方国家正处于探索与发展的阶段,作品的好坏与深浅称出不穷,当观众处在这样一个好坏参半的环境中应该怎样辨别作品?在您认为,装置作品会存在好与坏这样比较明显的区分吗?

Raven Kwok: 这一点上也并没有东西方之分。我个人觉得辨别优劣对于非专业领域的观众而言似乎并没有太大的必要,更多的可能只是主观体验:喜欢、不喜欢、困惑,等等。可能在获得大量的体验经验之后,非专业会逐渐迈向专业,形成自己的评判体系,同样的,没有固定的标准。

会,但并不是二元的。我个人对作品的优劣评判标准是创意/想法,体验,呈现方式以及实现手段的综合结果。

WKLY: 对于想尝试影像装置创作的新人有什么建议?

Raven Kwok: 在你急不可耐要表达你的观念思想以前,学习你用于创作的工具,磨练你的创作手段技巧,了解领域的历史、现状、未来的发展方向,对自己以及自己的作品有一个相对准确的定位。脚踏实地,切忌浮躁。